Як навчитися розуміти мистецтво і самого себе

Як зрозуміти сучасне мистецтво. 6 кроків від ненависті до любові

Ви любите Тиціана, Рубенса і Моне. Але ж пора і в 20 століття, і в 21-ий заглядати. А там стільки лякає і незрозумілого. Ви ніби й відчуваєте, що позиція «я сам таке можу намалювати» в корені не вірна. Але ось чому? ..

X

Я поділюся своїм досвідом, як я пройшла шлях від стану «мені цікаво, але НЕ розумію» до «ось це так!» Пройдіть 6 кроків, які допоможуть Вам зрозуміти і полюбити сучасне мистецтво.

Крок 1. Усвідомте, чим «дихає» сучасне мистецтво

Цей крок ні в якому разі пропускати не можна. Поки Ви не усвідомлюєте, чим «дихає» сучасне мистецтво, все інше марно. Навіть якщо Ви відвідаєте 100 виставок, Ви кожен раз будете натикатися на внутрішній бар’єр «Яка нісенітниця / жах / несусветіца».

Отже, це важливо: сучасне мистецтво – НЕ про копіювання реальності. Воно про відгук на цю реальність і емоції самого художника.

Ця тенденции почалася ще з імпресіонізму (60-70-ті роки 19 століття). Саме тоді винайшли фотоапарат. Роль копіювання реального світу на себе взяла фотографія. Живопису це було вже ні до чого. І понеслося …

Експресіонізм, фовізм, кубізм, абстракціонізм, поп-арт …

На полотнах цих напрямків немає реального світу. А тільки світ, придуманий самими художниками. Це їхні емоції, їх послання.

А далі слід ще одне правило.

Відсуньте поняття естетики на другий план.

Коли художник висловлюється, це не завжди естетично. Тому що висловлювання не завжди про троянди і красивих дам.

Отже, в роботах художників 20-21 століття шукайте:

А – відгук на події в світі

Найяскравіший приклад – Банки супу «Кемпбелл» Уорхола. Самий прямий відгук на суспільство споживачів

Енді Уорхол. Банки супу «Кемпбелл». Полімер, ручний друк. 32 картини 50х40 кожна. 1962 р Музей сучасного мистецтва в Нью-Йорку (МОМА)

Б – внутрішній світ самого творця

Тут Френсіс Бекон – неперевершений майстер. Його внутрішній світ жахливий і унікальний. Все з дитинства, як кажуть фрейдисти.

А ще сучасні художники – це дослідники. Їм важливо винайти щось, чого не було до них. Якщо публіка ошелешена, це добре. 

Колись всіх ошелешив Ван Гог, потім Матісс. Трохи пізніше всім дісталося від Поллока і так далі.

У багатомільярдний світі унікальність – на вагу золота. Якщо художник творить в точності, як Матісс або Поллок, він не стане відомим і багатим. Тому полотна сучасних художників часто величезні – це знижує ризик копіювання.

Отже, в роботах наших сучасників завжди є унікальність, а головне – сенс. Причому цей сенс не лежить на поверхні, а закодований. Інакше це було б не мистецтво, а рекламні плакати.

Тому важливі кроки 3-6. Без них ці коди Вам не стануть доступні запросто. А поки, щоб ще ближче підступитися до сучасного мистецтва, зробіть крок 2.

Крок 2. Почніть з компромісу

Навіть якщо Ви засвоїли крок 1, навряд чи Ви тут же полюбите того ж Бекона всією душею. Я сама досі закриваю випадково відкриту роботу цього художника, заплющивши для надійності очі.

Знайдіть компроміс. Є сучасні художники, які закладають сенс в досить естетичній формі. Той же Бенксі робить це часто з витонченістю. Адже його дівчинка з кулькою так хороша!

Бенксі. Надія завжди є. 1991 м.Лондон

Таких сучасних художників досить багато в галереї Саатчі в Лондоні. Зайдіть на її сайт і насолоджуйтеся canvas.saatchiart.com

Крок 3. Дізнайтеся художника

Біографії це добре, але краще читати інтерв’ю художників. Так Ви відразу зрозумієте не тільки зміст робіт, а й характер майстра. І тоді дивитися його твори стає набагато цікавіше.

Візьмемо, наприклад, роботи Recycle Group.

Recycle Group. Контейнер. Медитація. 2017 р

Їх роботи я зрозуміла, лише прочитавши кілька інтерв’ю з художниками (про них я писала в соц. Мережах).

І вправу із зірочкою: Сходіть на зустріч з самим художником і задайте йому питання. Такі зустрічі часто організовують музеї, проводячи персональні виставки. Як правило, художники охоче коментують свої роботи.

Перевірте себе: пройдіть онлайн-тест «Наскільки Ви розбираєтеся в живописі?»

Крок 4. Сходіть на виставки

Намітьте для відвідування 3 виставки сучасного мистецтва (якщо немає в вашому місті, перегляньте репродукції 3х художників)

І обов’язково сходіть в музей «Гараж». Там ще й атмосфера прекрасна.

Ви можете слідкувати за усіма виставками завдяки відео-блогу “Oh! My art “.

Крок 5. Правильно організуйте відвідування музеїв

Не намагайтеся охопити всі роботи в музеї. Якщо Ви йдете дивитися постійну експозицію, виберіть заздалегідь 5-7 робіт, які хочете побачити. Якщо не виставку – орієнтуєтеся на свої відчуття. Стривайте у тих робіт, які викликали у Вас емоції.

Керін Джурик. Сила волі. 2014 р Приватна колекція

Читайте таблички у кожної обраної роботи. Дуже часто назва розкриває задум художника. Ще важливо, коли створена робота (і на які події відгукнувся художник) і з якої він країни.

У 2010 році Ай Вейвей наповнив величезний зал Тейт Модерн (Лондон) насінням. Кожна з них (100 млн) зроблена вручну з глини! Коли Ви усвідомлюєте, що художник з Китаю, робота читається особливо ясно, погодьтеся.

Ай Вейвей. Насіння соняшника. Інсталяція в Тейт Модерн у Лондоні, 2010 р

Крок 6. Знайдіть провідника в світ сучасного мистецтва

Підпишіться на блогера, який розповідає про сучасне мистецтво легко і доступно. Він Вам допоможе розшифровувати послання сучасних художників або буде підштовхувати шукати закладений сенс.

Для мене таким провідником колись стала Єлизавета Фролова та її блог eliz_art.

PS Якщо Ви застрягли на першому кроці, розслабтеся. Продовжуйте вивчати старих майстрів. І одного разу сучасне мистецтво Вас покличе. Синім запатентованим кольором Кляйна або викликають сльози плямами Ротко.

Ів Кляйн. Антропометрія: Принцеса Хелена. 1960 р Музей сучасного мистецтва (МОМА), Нью-Йорк

Для тих, хто не хоче пропустити найцікавіше про художників і картинах. Залиште свій e-mail (у формі під текстом), і Ви першими будете дізнаватися про нові статтях в моєму блозі.

Оксана Копенкина

PS. Перевірте себе: пройдіть онлайн-тест «Наскільки Ви розбираєтеся в живописі?»

Як навчитися розглядати картини?

Навіщо взагалі потрібно мистецтво? Будь-яке – живопис, театр, кіно, музика … Чи потрібне воно для того тільки, що б викликати насолоду, радувати око, слух? Чи повинна вона розважати, забавляти публіку? І нарешті, чи повинно мистецтво щось виховувати? І якщо має, то що саме?

Відповіді на ці питання ми спробували отримати, обклавшись об’ємними томами по мистецтвознавства, та й, звичайно ж, помандрувавши в просторах інтернету, який, треба віддати йому належне, знає багато.

Навіщо потрібна живопис?

Дійсно, навіщо потрібна живопис, якщо є фотографія, точно відображає реальність, той чи інший момент.

Але, мабуть, тут дуже важливо зрозуміти суть самих слів. Отже …

ФОТОГРАФІЯ , (від грец. Phos – «світло» і grapho – «пишу»). У словнику Даля – «мистецтво знімати предмети на папір за допомогою світла; світлопис, солнопісь », відповідно до словника Єфремової -« мистецтво буквального відтворення кого або чого-небудь ».

У наш сучасний час цифрових фотоапаратів, мало хто не спробував себе в якості фотографа, починаючи, практично, з малолітнього віку. Але, ви не повірите … Були часи, коли була тільки живопис, а про фотографії тоді навіть і не мріяли. І тим не менше, фотографія, не дивлячись на свою «фотографічну» точність, не завжди передає те, що хоче передати нам художник.

ЖИВОПИС , (дослівно – “Живий лист») – з сучасного тлумачного словника: «один з найдавніших видів образотворчого мистецтва, твори якого створюються за допомогою фарб, що наносяться на будь-яку поверхню. Важливий засіб художнього відображення і тлумачення дійсності, впливу на думки і почуття глядачів. Ідейний задум живопису конкретизується в темі і сюжеті, і втілюється за допомогою композиції, рисунка та кольору ».

Фотографія та живопис – відчуваєте різницю?

Тобто, живопис – це вплив на думки і почуття глядача, присутність ІДЕЇ, це, перш за все, творчість. Якщо в живопису, в кожному мазку – емоція, життя, то фото – це лише копія життя. Адже є ж різниця між читанням звичайної книги та електронної? Звичайно є. Так і тут – отримуєш інші відчуття.

Візьмемо для прикладу якусь затемнену фотографію і такого типу картину. Відразу видно, що тінь від руки художника по-іншому передає обстановку і по-іншому відображає дійсність. Стало бути, живопис – це більш творчість. До слова сказати, в людях взагалі закладено бажання творити. Тому що всі ми створені за образом і подобою Божою, і Сам Бог – є Творець!

Ось чому ЖИВОПИС – це дійсно мистецтво. Ось чому і живе досі.

Так навіщо ж потрібно мистецтво?

Відповідь очевидна, мистецтво – будь то живопис або музика – це практично ще один вид спілкування. Ще один із способів виховання. Засвоївши основні положення теорії мистецтва, людина може почути сказане або прочитане, побачити намальоване. Але ж почути, розглянути – це значить, зрозуміти.

А розуміння – це і є духовна культура.

Адже культурна людина – це такий, який будує свою поведінку, вирішує завдання, приймає рішення, спираючись на досвід попередніх поколінь.

Він знає, до чого приведуть його такі-то дії, і вибере свідомо форму, манеру поведінки; прийме рішення, які свідомо повинні привести до відомим, бажаних результатів.

Та й самі бажання, потреби в процесі окультурення будь-якої людини набувають певну спрямованість.

Мистецтво – невід’ємна частина життя. Дивлячись на чиїсь картини, слухаючи чиїсь пісні, як би відкриваєш для себе частинку світу цієї людини, і особлива радість – коли виявляти, що ваші погляди, думки і ідеї багато в чому сходяться.

Мистецтво потрібно, щоб обмінюватися ідеями, поглядами на життя, знаходити однодумців, відкривати для себе чиєсь бачення здавалося б звичних речей, крім того, воно дає величезну грунт для роздумів: про світ, про життя, про місце людини в цьому світі …

Де ти, радість, загубилася?

І далі, зовсім вже, прозаїчно …

Ось вельми прозаїчні дослідження сучасних вчених, які намагаються науково пояснити природу нашого щастя, а точніше, хімічно.

За даними таких досліджень, відчуття безмежного задоволення – це складна ланцюг біохімічних процесів. Керують ними особливі речовини – «гормони щастя», які виробляються у людини в головному мозку.

Ці основні два речовини – серотоніну і ендорфінів і впливають на наш настрій.

Наприклад, про серотоніну:

Ті, про кого говорять “світиться зсередини”, не відчувають нестачі в цей гормон. І можуть відчувати себе щасливими подвійно: вчені виявили, що цей натуральний хімічний елемент ще й захищає від раку! Серотонін має здатність “наказувати” деяким іншим клітинам самознищуватися. Зараз вчені працюють над винаходом методу лікування раку на основі цього феномена …

А яке це має відношення до живопису або мистецтву?

Ці наукові відкриття тільки підтверджують системну улаштованість і гармонійність нас, людей, як Божих творінь. Наведемо тут ще одні дослідження вчених: виявляється хворим, які отримували лікувальну дозу музики і живопису (!), Була потрібна набагато менша доза знеболювальних препаратів. Крім того, у них нормалізувалася кров’яний тиск.

У картинній галереї

А ось ще одні підсумки незвичайного екперімент …

А ось ще одні проміжні підсумки незвичайного екперімент, який триває вже 4 роки в м Чебоксари. Акція носить назву «Корпоративна культура». Кілька підприємств, які беруть участь в ній, влаштовують виставки репродукцій картин знаменитих художників. Полотна вивішуються в їдальнях, вестибюлях, холах – місцях масового скупчення працівників.

Результати перевершили всі найсміливіші очікування: істотно зросла продуктивність праці, робочі стали врівноваженим і спокійніше. В даний момент в експерименті беруть участь 23 організації в Чебоксарах, а також підключилися підприємства Самари, Ульяновська і Саратова.

«До цієї затії спочатку поставилися скептично, – розповідає Федір Стрюцкій, колишній директор чебоксарського заводу« Електрон ». – На заводі 4 роки тому було запустіння. Шукали нові способи мотивації людей. Тоді і з’явилася ідея влаштувати на заводі художню виставку.

Перш за все, сумнівалися майстри, які вішали репродукції відомих картин: мовляв, все одно робітники не оцінять, картини поріжуть або недопалки об них гасити будуть. Але ніхто нічого не зіпсував. Навпаки: в гардеробі, де повісили картини, люди, перестали курити! Вони взагалі іншими стали.

Але головне – продуктивність праці підвищилася в два рази! Експозиція триває, як правило, чотири місяці, після чого підприємства «обмінюються» виставками.

80% опитаних сказали, що в їх душі багато що змінилося. Вони стали спокійніше, врівноваженим. 93% відзначили, що відчувають емоційну підтримку, розглядаючи картини. Ну, а більше половини сказали, що у них з’явилися улюблені художники. У рейтинг «улюблених» потрапили переважно вітчизняні художники. Особливо полюбилися робочим картини Шишкіна, Левітана і Айвазовського.

«Серотонін» в фарбах …

– Ось вам і «серотонін» в фарбах – сказали б вчені.

– Ось вам і Божий дар – так скаже кожна віруюча людина, розуміючи, що все, що ні дається, все створено, або допущено, або послано нам – від Господа. І цей дар – потрібно вміти не розгубити, що не закопати, а зберегти і примножити …

Як навчитися розуміти картини?

Як правило, судити і, особливо, критикувати мистецтво, беруться люди, мало обізнані як в самому мистецтві, так і в живописі. До таких, швидше за все, віднесе себе будь-середньо-статистичний людина, як і напісатель цього тексту Критикуючи, як правило, деякі з них, взагалі не бажають дивитися, деяким і зовсім ніколи дивитися на картини, і думати над ними …

Спробуємо розібратися разом, особливо не умнічая.

Деякі загальні положення для «чайників»:

З книги «Початок теорії живопису», Сандомирський С.М .:

«Мій скромний досвід аналізу картин дозволяє сформулювати критерії визначення величини художнього твору. Їх два:

– перший, – значущість ідеї, вкладеної художником в картину і висота особистості самого художника;

– друга, – майстерність художника, його вміння живописними засобами висловити свою думку. Звідси випливає, що для оцінки твору потрібно знати МОВУ ЖИВОПИСУ.

Гун Карліс Фридрихович. Копіровальщіца в картинній галереї

При розгляді картин необхідно бути вкрай уважним, прагнути не упустити жодної деталі, ні найменшого предмета, пам’ятаючи досвід розгляду літературного твору: одне слово, одна фраза могли зумовити або вплинути на розуміння твору. А якщо неможливо розглянути предмет на картині в силу його малості або незрозумілості, то сказати собі про це. А в оцінці всієї картини проявляти обережність.

Потім вся увага звертати на розгляд цього предмета з метою дати його вичерпну характеристику. Цього вимагав і досвід літературних аналізів, і міркування: раз художник зобразив предмет саме таким, то мав важливі до того резони.

Отже, перш за все, вказати, назвати, виділити предмет.

Потім, розглянувши його, визначити його якості, дати йому характеристику. Колір і світло при визначенні предмета і його якостей відігравали важливу роль. Іноді цього було досить, щоб зв’язати персонажі однією думкою і сформулювати таким чином ІДЕЮ. Але в багатьох випадках доводиться залучати третій фактор: композицію – взаємне розташування персонажів і предметів ».

Наталія Беляново

Як навчитися читати образи і розуміти твори мистецтва

Людина в середньому витрачає 17 секунд на розгляд експоната в музеї або в художній галереї. Для впізнавання картини потрібно набагато менше часу. Але для її розуміння … Потрібно зупинитися і уважно розглянути деталі. Це вимагає усвідомленості і напруги уваги, але допомагає побачити те, чого не було видно з першого погляду.

«Мистецтво бачити мистецтво» – це процес уважного розглядання і глибинного, детального вивчення твори мистецтва .

Ця техніка розроблена співробітниками Музею мистецтв Толедо (США) .Техніку можна використовувати не тільки для вивчення музейних експонатів, а й у повсякденному житті.

 Вона складається з шести послідовних кроків: подивитися, спостерігати, побачити, описати, вивчити і пояснити.

6 кроків техніки «Мистецтво бачити мистецтво»

Подивитися

Перший крок – подивитися – може здатися звичайним. Але він дуже важливий, тому до нього слід поставитися уважно. Головне – «зупинити мить» і подивитися на предмет або об’єкт. Тут важлива поза і відсутність перешкод для зору – вам повинно бути зручно розглядати образ і ви повинні бачити його чітко.

поспостерігати

Спостереження – це етап, коли слід ближче придивитися до об’єкту. Спостереження – активний процес, що вимагає часу і уваги. У цей момент глядач подумки «розбирає» об’єкт на частини, виділяючи складові його візуальні елементи.

побачити

Подивитися – це фізичний акт; побачити – процес усвідомленого сприйняття. Він включає в себе впізнавання або зв’язок інформації, отриманої за допомогою зору, з вашими попередніми знаннями і досвідом для конструювання змісту.

описати

Опис допомагає розпізнати і систематизувати свої думки про те, що ви бачите. Корисно описувати так, як ніби ви складаєте детальний уявний список елементів. Які предмети, фігури, місця ви дізнаєтеся? Почати можна з визначення і опису елементів композиції об’єкта мистецтва.

вивчити

Проаналізуйте деталі, які ви побачили і описали, і спробуйте зрозуміти їх значення. Подумайте, як фігури, об’єкти і місця, які ви дізналися, з’єднуються і створюють єдиний образ, в єдину історію.

пояснити

Фінальний крок об’єднує вивчене і описане з нашими попередніми знаннями і будь-якої наявної інформацією про автора і роботі. Пояснення дозволяє нам зробити висновок про предмет або об’єкт.

Розберемо ці кроки на прикладах.

Придивіться

Дивитися і бачити – це одне і те ж або різниця є? У чому відмінності цих дій? Якщо візуальна грамотність – це здатність читати, писати і розуміти візуальну мову, то дивитися на зображення – значить швидко читати ( «по діагоналі»), а бачити – значить прочитати текст.

Якщо ви просто дивіться на зображення, то «вихоплювати» окремі елементи образу. Але якщо ви бачите, це означає, що ви «зчитуєте» все елементи картини. Це всебічний процес.

Як же рухатися від просто перегляду на картину до того, щоб повністю побачити її? Виявляється, що ми починаємо помічати різні елементи зорового образу, коли зупиняємо на ньому свою увагу і придивляємося до нього. Це називається спостереження – процес уявного перерахування і систематизації зорових елементів. Це і є «місток», який об’єднує смотрение і бачення.

Опишіть те, що бачите

Подумайте про процес опису як про створення детального каталогу елементів, які бачите. Для створення «каталогу» зображення потрібно знати мову, якою зазвичай описують художні роботи. Ця мова складають художні елементи і принципи дизайну.

Художні елементи:

• колір
• лінія
• форма
• простір
• текстура

Принципи дизайну:

• баланс
• акцент
• гармонія
• рух
• пропорція
• ритм
• єдність
• різноманітність

вивчіть

Вивчіть елементи, які ви внесли в свій уявний «каталог», і знайдіть причини, за якими в зображенні використані саме вони. Подумайте, як фігури, об’єкти поєднуються один з одним для того, щоб розповісти глядачеві якусь історію.

Є різні методи аналізу зображень – спробуйте їх як різні пари окулярів, які дозволяють судити про предмет мистецтва з різних точок зору. Як тільки деталі вивчені, сфокусуйтеся на тому, щоб подивитися на роботу крізь «різні лінзи окулярів»:

• композиція
• символ
• ідея
• значення

композиція

Композиція – це організація елементів мистецтва за принципами дизайну.

«Натюрморт» Ле Корбюзьє (1920). Джерело: www.flickr.com

У натюрморті Ле Корбюзьє прості елементи складають рівноважну і при цьому захоплюючу композицію. Погляд немов спирається на знайомі форми, зупиняючись спочатку на круглому предмет (стилізованому барабані), потім проходячи вздовж рівного прямокутного грифа гітари, вивчає дрібні деталі, що нагадують клавіші труби.

«Зоряна ніч» Вінсента Ван Гога (1889). Джерело: en.wikipedia.org

Подивимося на композицію «Зоряною ночі» Вінсента Ван Гога. Як лінії і фігури створюють настрій і впливають на сприйняття картини? Як створюється відчуття простору і ритму? Як елементи поєднуються один з одним? Який значення передає ця композиція?

символ

Символи – це речі, які мають значення через те, що асоціюються або замінюють щось ще. Вони займають значну частину нашого розуміння світу. Ми дізнаємося символи, грунтуючись на особистому досвіді, пам’яті і знаннях.

«Дама з горностаєм» Леонардо да Вінчі (1489-1490). Джерело: commons.wikimedia.org

Наприклад, одна з найвідоміших картин Леонардо да Вінчі «Дама з горностаєм» містить в собі ряд символів. На картині зображена Чечилия Галлерани, кохана міланського герцога Лодовіко Сфорца.

У дівчини на шиї намисто з темних намистин – символ могутнього покровителя, тому що у герцога було прізвисько Il Moro – «темний» – за смаглявий колір обличчя і темне волосся. Синій також символ багатства – ультрамарин в той час був одним з найдорожчих і рідкісних барвників, тому що

на його доставку в Європу йшло кілька місяців (добувався в Афганістані).

Але найбільш насиченим символічними смислами є горностай: він був емблемою роду Сфорца (ще один натяк на герцога; в цьому значенні пальці дівчини на шиї звірка – це одночасно і влада, і ніжність), символ цнотливості і чистоти (за легендою такий горностай волів загинути, але не забруднити білу шерсть) і асоціація з самою дівчиною (грецькою горностай – «галі» співзвучна з ім’ям дівчини – «Галлерани»). Символічна поза (є версія, по якій дівчина була вагітна в момент написання картини, а горностай і положення руки приховує вагітність, але натякає на неї), поворот голови, рука і т.д.

Пошук символів в подібних картинах – цікавий і нескінченний.

ідея

Культура і історія впливають на те, що і як ми бачимо на картині. Багато в чому наша реакція на картину залежить від контексту, в якому це відбувається. Що відбувалося в той момент, коли художник працював над твором? Що він хотів висловити? Як наші цінності і сучасні погляди впливають на наше розуміння картини?

«Мандрівник над морем туману» Каспара Давида Фрідріха (1818). Джерело: commons.wikimedia.org

Ідея картини «Мандрівник над морем туману» Каспара Давида Фрідріха вважається однією із знакових картин, які втілили ідеї епохи романтизму.

Мандрівник на картині втілює байронического героя – філософствує мандрівника, загадкового і харизматичного відлюдника, що зневажає цінності товариств і закон.

Ідея стала вкрай популярною після виходу поеми «Паломництво Чайльд Гарольда» лорда Гордона Байрона в Європі XVIII-XIX століть і відбивалася в більшості творів того часу.

значення

У процесі аналізу значення роботи ми розуміємо мету її створення, відкриваємо наміри художника і розширюємо межі інших смислів і значень, грунтуючись на композиції, знаннях, спогадах, досвіді, історії, культурі і т.д.

Порівняємо картини китайського художника Вана Симона «Гори і води на тисячу лі» (1113 г.) і українського художника Ісаака Левітана (1890 г.).

Ми бачимо в картинах різні композиції, елементи (лінії, форми, кольору) і розуміємо, що історичні та культурні контексти, в яких вони створювалися, відрізняються один від одного, бачимо і несхожі підходи авторів.

Однак, ідея в обох картинах схожа – це захоплення природного гармонією, ідея свободи і безмежного простору. Використовуючи різні засоби, художники вкладають подібне значення в свої роботи.

«Гори і води на тисячу лі» Вана Симона (1113). Джерело: en.wikipedia.org Ісаак Левітан «Лісове озеро» (1890). Джерело: commons.wikimedia.org

пояснення

Пояснення або інтерпретація можлива, якщо з’єднати аналіз форми, символів, ідей і значень. Бути візуально грамотним або «говорити на візуальному мовою» означає те, що ви знаєте ці фактори і не просто розумієте те, що бачите, але і питаєте себе, чому ви це бачите саме таким чином.

Вінсент Ван Гог «Хлібні скирти і жнець» (1888). Джерело: upload.wikimedia.org

Що ви бачите на картині?

1. Ідилічну сцену поля золотої пшениці.
2. Образ смерті – такий, як заведено самою природою.
3. Документальне свідчення змін у зв’язку з індустріальною революцією.
4. Все перераховане.

Правильна відповідь – 4 (все перераховане). Що ми бачимо з першого погляду на картині Ван Гога? Можливо, енергійні, рівномірні мазки пензля художника або самотній жнець в поле. Можливо, очі зупиняться на клубах диму над селом на блакитних пагорбах далеко. Що означають ці деталі?

Спостерігаючи за картиною, що оточувала його, Ван Гог бачив символічні значення в полях і в фігурі женця. Розуміння сенсу, який вкладав сам художник в картину, може вплинути на її інтерпретацію.

Картина може мати різне значення для різних людей: це залежить від особистих спогадів, знань, досвіду людини, суспільства, в якому він живе, або місця, де він побачив цю картину.

Те, як ми розуміємо картину сьогодні, відрізняється від того, як її розуміли десять років тому і ще через десять років буде відрізнятися від сьогоднішнього.

Повернемося до початку

Вам знайома фраза «Одну і ту ж книгу можна прочитати двічі»? На кожне наступне прочитання тексту завжди буде впливати попереднє. Це справедливо і до прочитання образів. Знову подивимося на схему «Мистецтво бачити мистецтво»:

6 кроків техніки «Мистецтво бачити мистецтво»

Пунктирна лінія з’єднує точки «Подивитися» і «Інтерпретувати» – схема циклічна . Інтерпретація повертає нас до моменту першого перегляду картини. Об’єкт не можна інтерпретувати кілька разів однаково – він завжди буде новим.

Джерело: www.vislit.org

Як навчитися розуміти мистецтво, зокрема – фотографію

Качествотребует часу – про це знає кожен, хто хоч іноді замислювався про терміни, не тільки створення, але і життя конечногопроізведенія: чи вийде з моди, забудетсялі завтра – об’єктивні страхи, коториесвойственни сумнівається розуму, взглядуколлекціонера і уважному глядачеві, який, стоячи перед фотографією, понімаетее зміст, але … Не впевнений, чтонайденное – дійсно цінність.

Але все це буде не відразу, – пізніше, коли з’явиться «насмотренность», культурний досвід, – потрібно багато часу, щоб розвинути навички, накопичити досвід; змінитися.

Іскусствоне терпить суєти, ліні, чвар (последнеенаіболее згубно, оскільки критика, як і бійка, є деструктівнимявленіем, яке властиво тим, котенята впевнений в собі).

З першого взглядаможет здатися, що мистецтво -Засіб заощадження: знань, капіталу; в певних верствах суспільства, дійсно, запанувало міщанство, але вважати це чимось гідним уваги-велика помилка, оскільки «торговляфантікамі» далека від місії мистецтва- просвіта, незалежно отязикових або географічних кордонів.

Поніманіюіскусства може навчитися кожен – етовідно на прикладах С. І. Мамонтова і П. М.Третьякова, – обидва представітелікупеческого стану (в подальшому -меценати), але завдяки знанню собственнихкорней, вірному розумію мистецтва, часом «втирали ніс» авторитетним мистецтвознавцям, коли вибирали «прохідні роботи», які, з часом, до удівленіюзавістніков, ставали безцінними.

На мій погляд, настільки безпомилкова, ісключітельнаяразборчівость обумовлена ​​блізостьюк авторам творів (адже доподлінноізвестно, що численні письменники, музиканти і художники, актори і скульптори, завжди були бажаними гостями в домеМамонтових або Третьякових), ісключітельнойсамоорганізованностью, умінням смотретьна серце, а не на особу автора твору (відмінна риса зрілих духомлюдей).

Творча «кухня», незважаючи на велику кількість стереотипів, завжди відкрита для цікавих людей, але є проблема: ніхто не любить, есліна неї вторгається випадкова людина іначінает поводитися невиховано, -етім пояснюється образ сфери мистецтва, який зібрали критики і мистецтвознавці, на сторінках своїх численних книг (образ, далекий від реальності, як, власне кажучи, і автори цих «писань»), які целенаправленноотдаляют глядача від сфери мистецтва, щоб «посередник» ніколи не осталсябез роботи. На жаль, але це так.

Нужносформіровать себе тим, кому будуть радина «кухні», – цього хочу посвятітьзаметку і впевнений, що внімательнийчітатель, завдяки викладеним основам, зможе стати тим, хто, при випавшемслучае, зможе оцінити справжній працю, – навчиться розуміти фотографії, і станетінтересним співрозмовником, якщо емупредоставітся така можливість.

…

Пишу неспешно.Перечітиваю регулярно. Появляетсянеобходімость – доповнюю текст.

Photo by Deanna J on Unsplash

Знаходимо оптимальну форму

Як билосказано раніше: хороша фотографіятребует часу – на підготовку, локацііілі знімальної команди; на созреваніекадра: всім відомий «вирішальний момент» або, що куди важливіше – об’ектівноетворческое дорослішання автора, еговозрастаніе над собою (що все ещеассоцііруется з технологіями, але етоошібка).

Отдельноговніманія заслуговує підсумковий облікфотографіі, який носить випадковий і, в якомусь сенсі, модний характер, нолішь до тих пір, поки автор не найдетсебя, а точніше: чи не підбере оптімальниематеріали для фіксування своеговізуального оповідання – фотографії.

Папір, метал, скло, дерево – виборматеріала накладає обмеження наумовах демонстрації фотографії: площа, температура і потужність істочніковсвета – в пошуках оптимального форматапроходят роки, якщо пощастить – месяцикропотлівого праці, в результаті которогоізменяется діалог з глядачем: сокращаетсядістанція.

Крок назустріч, але не весь шлях.

Доподлінноізвестно, що кожен автор ігноріруетсяровно до тих пір, поки до його робіт Ісаму особистості не проявить інтерес хтось тоіз авторитетних представників суспільства, – Той, чия точка зору поддержіваетсябез заперечень. Але раптова популярностьне гарантує розуміння.

Так склалося, що сучасна дитина росте поза національної культурної пласта і це позначається на його вмінні бачити, на розумінні краси, на знанні навколишнього світу. Над більшістю класичних творів підростаюче покоління гордовито вимовляє:

• Не розумію!
• Не те!
• Муть!
• Депресняк!
• Так хто це дивиться?

Самостійно нічого не зміниться, через 10-20 або 40 років, оскільки якщо ми втратимо не тільки візуальну мову, а й розуміння культурних витоків, – см.

примітка на сторінці Записній книжки «Візуальний мову фотографії …», – то можна буде закривати галереї (і музеї, як втратили актуальність «морги» мистецтва), оскільки розгляд знімків, візуальних оповідань, стане нагадувати онлайн-прокрутку, де на кожне зображення витрачається не більше 3-5 або 10 секунд нашої уваги.

Чому так мало?

Інтернетдавно перевершив телебачення, по степенівоздействія на духовне обличчя людиниі його духовний стан, – не дивно, адже безперервне інформаціонноемельканіе, яке формує потребностьлегкого зовнішнього лоскотання зрітельнихнервов, відучує нас від поніманіясодержанія зображення, як образовательногопроцесса, який неможливий без усіліянад собою. (Тільки вдумливе рассматріваніефотографіі розвиває мислення, сприяє розвитку умственнойі духовного життя людини.)

Іншими словами: сучасний глядач, часто, тупцює на місці, але не досяжний автора – немає зустрічі, немає діалогу, немає розуміння; є тільки посередники, які, все частіше, беруться виконувати роль зіпсованого телефону; тому, щоб навчитися розуміти мистецтво – і зокрема – фотографію, потрібно:

• виключити залежність від «посередників-лукавих перекладачів» (про це нижче);
• виключити «самопальні» репродукції (будь-то онлайн добірки, в соцмедіа або, не менше спотворені, аматорські скріншоти з книг, альбомів, журналів і т. п.);
• виключити перегляд цифрових копій на аматорських пристроях або моніторах, які не пройшли колориметричну настройку (лише мінімум);
• по можливості, вивчити оригінал, – при тих умовах, які підібрав для цього автор (і зрозуміти – чому вони саме такі);

Це неповні, технічні умови, але тільки поставивши себе в жорсткі умови, можна, хоч не відразу, але зрозуміти, що «чогось не вистачає» і цим «щось» буде «окультурення себе», – робота, яку ніхто за нас не виконає.

Photo by Eduardo Balderas on Unsplash

Відмовляємося від допомоги сторонніх тлумачень

Є думка, що твір, з часом, пріобретаетісторію свого сприйняття, – етосвоеобразная «біографія» твори (яку ми бачимо: на сторінках популярнихкніг, журналів, на всевозможнихінтернет-ресурсах), яка прізванапоказать цінність … але на ділі, есліпрізадуматься, думка маси не прідаетізобразітельной цінності ізображеніюі буде мудро, якщо «початківець» зрітельпроігнорірует спекулятивну тему.

Поніманіюіскусства сприяє спілкування з людьми, що мислять серйозно, незалежно -прівичка говорити на рівних (НЕ гонором, але знанням), без загравання і нескінченного (і, в більшості своїй, безглуздого) цитування прописних істин, помогаетнаучіться говорити з опорою натеоретіческій фундамент – статьісследователем, а НЕ теоретиком.

Іскусствовоспріятія увазі лічностьісследователя, аналітичний розум, которийне виключає власне індівідуальноевіденіе, але прагне до високойоб’ектівності (і з цим, звичайно, не коштує заграватися, оскільки хотьнаука про мистецтво і вимагає від зрітеляоб’ектівності, але парадокс в тому, чтобез яскраво вираженою суб’єктивною точкизрения вона перестає бути наукою, іболічностное переживання – необходімийетап дослідження). До определенногомомента емоційне ставлення купіруетразвітіе сприйняття знімка, але по мересістематізаціі умовиводів, наученіюобосновивать свою оцінку фотографії, в суб’єктивної аргументованої оценкевіднеется особистість, яка намногобліже автору, ніж всі теоретики етогоміра. Крок назустріч, але автор ещедалеко.

За мереізученія мистецтва, оновиться спісокпредпочітаемой літератури. Ісчезнетрерайт (причому поверхневий) классіческіхавторов, «продукти самопіару» і прочіеінфо-щось там; все ближче стане строфаТютчева:

Счастлівв наше століття, кому перемога

Далася некровью, а розумом,

Щасливий, хто точку Архімеда

Умів сискатьв собі самому, –

Саме отказот поверхневого уривчастого сприйняття, інформованості, дозволяє не толькоісключіть маніпулювання зі сторонизаінтересованних осіб (гравців ринку -тут же бізнес), але і через отріцаніеобщеізвестного і завчено, сформіроватьфундамент тих інтелектуальних інравственних цінностей, які всегдапомогут зорієнтуватися там, де оченьчасто справжнє затуляється уявним.

…

Отлічнойпомощью можна вважати мемуари авторів, оскільки багато хто з них були мастеране тільки образу, але і слова: отразілівремя, в яке створювалося твір, і умови, які вплинули на егосозданіе; хороший текст позволяетугадать автора за кожним судженням, побачити рівень його роздумів, який, якщо ми торкнемося класиків, весьмависок, – більш поважного і ценногодіалога з глядачем годі й шукати.

Photo by Elijah Hail on Unsplash

Вивчаємо глибини змісту

Проблема фотографічного сміття стосується не тільки фотографів: багато глядачів не можуть повірити, що частка секунди може мати будь-яку цінність: культурну, історичну і, що більш утилітарно – документальну.

Закиди небезпідставні.

Все большеоціфрованной людської плоті; битовиесцени, утилітарні будови, види іфіксірованіе тимчасового буття – отнюдьне рідкість, але і не цінність (посколькуносіт виключно протокольнийхарактер, без частинки автора).

«Точнаяпередача натури – не їсти мистецтво!» – вірно помітив Василь Кандинський, але, на жаль, в руках фотографаінструмент фіксування реальності, іізобразітельнимі, сакральними свойстваміон не наділяє зображення за замовчуванням (необхідний артефакт, від автора).

Тенденціяне зміниться, принаймні – міровая.Уплощенная примітивна фотографія-її підтримка не вичерпається (змінити курс-зруйнувати індустрію), тому, есліхочется навчитися розуміти мистецтво, для початку – відокремлювати його від сурогату, корисно навчитися не розсіювати увагу, сформувати світогляд, котороесформірует глибинний погляд, в отношенііокружающего світу і самого себе.

Прімечателенопит П. М. Третьякова, якого б сейчасназвалі ідеалістом, за його навички, в числі яких не тільки прагнення ксовершенству, але і більш фундаментальні:

1. Глибокий розум.
2. Сильна воля.
3. Найбільша стриманість.

Як свідчить біограф Павла Михайловича, на цих «трьох китах» базувалися інші особливості особистості Третьякова. Особистості, перед якою були відкриті двері майстерень художників і не тільки. Але Павло Третьяков ні перфекціоністом, він був естетом. І його тяга до досконалості виражалася, серед іншого, в невичерпній любові до краси – в її найвищих проявах.

Такі кроки, назустріч автору, завжди «окупляться».

Photo by sean Kong on Unsplash

Розуміємо свою вигоду, від вельми витратних зусиль над собою

Становлення особистості – тривалий процес, часом незавершений (оскільки сам по собі він і не завершиться, необхідно зусилля над собою).

Але з історії мистецтва ми знаємо, що діалог з картиною, ще в епоху Відродження, вимагав від глядача певної моральної зрілості, яка стала визначальною для суспільства на певному історичному етапі.

В історії ми бачимо істотний урок: мистецтво сприяє перетворенню людини і, в рівній же мірі, мистецтво багатьом зобов’язана обдарованим глядачам; не будь їх – не було б не тільки історії мистецтва, а й самого мистецтва.

Цікаві слова, точніше – тема книги, Сергія Даніеля:

«Як сприйняття мистецтва перетворюється в мистецтво сприйняття.»

Виховуючи в собі повагу до праці, творчості автора і його сприйняття навколишнього світу – ми навчаємося розуміння справжніх, чи не банальних цінностей, і створюємо атмосферу, в якій мистецтво здатне жити і розвиватися, – симбіоз, тільки зі сфери мистецтва.

Симбіоз, поза яким становятсянепонятни слова Бориса Шергін:

«Є зовсім« прості серця », потреб крім того як попити, поїсти та поспати ніяких. Ці «прості серця» навіть кіно не цікавляться: адже там нічого не дають. Є, знову, сорт голів порожніх, але яким потрібно чимось заповнити цю вроджену порожнечу. Поверхнева лоскіт нервів в місцях громадського користування на кшталт всезаполняющего кіно їх не задовольняє.

Публіка поцівілізованнее, інтелігенти, – цим потрібен театр, лекція про наукову сенсацію т. П. Ця інтелігенція, всерйоз, але без розбору, цікавиться літературою, поезією. Який би непотріб ні викинув ринок, ця «культурна публіка» живе цими «новинками». У всіх у них порожні серця, порожні уми.

Але вони чомусь неодмінно повинні заповнюватися, заповнюватися ззовні, – книжечку, газетою, кінофільм, цигаркою Інакше – нестерпна, нестерпний порожнеча, нудьга, туга Є люди тонкої психічної організації, вони люблять музику. Вони знавці і цінителі її Але де-небудь в лісі, в хатині вони не можуть довго пробути. Потрібні зовнішні збудники.

А тим часом у людини повинно бути скарб всередині себе, повинна бути внутрішня сила, власне багатство. Людина повинна світити з себе … »

Симбіоз, поза яким фотографії стали лише капіталом (здатним приносити відсотки), новими югославськими стінками, – мовчазними свідками міщанського благополуччя.

Мир всім, іпопутного світла на місцях фотографіческіхбаталій.

Ваш,

АндрейБондарь.